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作者:未知2011-04-03 18:47:19 来源:网络
记者：这次中国美术大展的主题是“中国风格，世纪丹青”，而对“中国风格”的强调，其实就是对中国传统文化担当起一种责任，您是展览艺委会主任，请谈谈其主题的意义？
杨晓阳：中国经过了30年的改革开放，综合国力大大提升，随着经济上取得了巨大的成就，政治、军事上的国际地位在世界范围获得了前所未有的尊重。比较而言，中国文化的现状，显然同我们的、经济、军事实力是不配套的，已不能适应改革开放开后中国发展的需求。在这种情况下，“十七大”国家强调提出了“文化大发展，大繁荣”的要求。就美术的现代发展状况来讲，它的繁荣发展实际上是从未间断过的。但是，为什么我们的艺术创作现在在国际上仍不受重视、没有较高的地位？主要是我们当代的文化形象同当今的综合国力不匹配。我们的综合国力能够影响这个世界，但影响这个世纪的“艺术”并没有实现。分析其原因，可见是由于中国的封建社会历史太长，尤其是在近200年以来，西方国家已经完全进入到资本主义，进入到现代化的时期；而中国在此期间，正好是封建社会的发展末期；是最低谷的时期。由于这个“最低谷”碰上了西方社会发展的高峰期，即低谷与高峰之间形成了强烈的对比反差。所以，形成了西方对中国在政治、经济、军事上的强势。于是，200年以来，中国在经济、技术上向西方学习的同时，在文化上也全面的转向西方的学习。
读史以明鉴。有些人认为我们的文化不科学、不发达，其实这是一个误区！这个误区最严重的是建国以来，我们从社会的各方都学习“苏联模式”，诸若政治、经济、军事上学习苏联。同样，在文化上也学习苏联，而且是全盘的引进了苏联的模式。尤其在美术上，比如美术教育的模式就延续了60年。而这60年中，我们培养了大量的美术人才，这些人才的培养的模式、知识结构、创作的作品都是以苏联的准则为标准。然而，令人遗憾的是苏联这个模式在国际上并不被西方之所承认。于是，中国美术又成为苏联的一个学习品，作为学习品，在国际上自然就没有了地位。这60年计划经济的全盘苏联模式化，使我们中华民族非常优秀的文化传统没有得以有机的延续，同时也割断了我们的美术文脉，丧失了我们对美术的主观评判标准，甚至可以说是全盘的丧失。我们的美术创作不乏其人，美术大军在数量上居世界第一位。我们也不乏专业人才，但具有中国特色的、高标准的、高品质的人才太少，我们需要培养的是在世界上占有一定地位的人才。所以，我强调“中国风格”的主旨也在于此。
记者：文化部将此项展览明确委托由中国国家画院具体承办，结合其历史去考量，这个展览是否从规格和定位上己发生了实质性的变化？
杨晓阳：这个展览由文化部主办，文化部委托中国国家画院承办的。其社会功能和学术定位是中国唯一的，最高水准的全国展览。因为有这么高的要求，所以采取了新的模式，这个模式是过去历届全国美术展览所没有采取的。即全国画院和专业机构推荐，展览艺委会提名两种方式并行。当今的全国美术展览，基本上是“新人新作展”。那些功成名就的、多达700位的评委和年龄段在60岁至90岁的老艺术家均不能参展，他们代表着当代中国美术创作的最高水平。但由于全国美术美展的评选机制和惯性的限定，使这两部分人不愿意或者不能参加。其所评出的金银铜奖，按以往的说法，其对全国的美术创作又形成了一种误导。而这次展览由各地申报和艺委会提名进行，这是一种创新的模式，弥补了这个缺陷。纵向的讲“世纪丹青”在年龄段上是“全覆盖”，即在中国大地上，任何阶段年龄的作者都有可能参加这个展览。
这个展览由中国画、油画和版画三个画种组成，作品总数量限定在300至350件，一个画种平均下来有100张左右。由于对参展作品的艺术标准要求很高，评选的程序很严格，所以进入这个展览难度较大。60年来，中国培养了数以万计的美术人才，而经过我们所创新的评选机制和程序，选300件作品，一定能够选出代表中国当代最高创作水平的作品，使之成为中国唯一的、代表中国美术最高水准的展览。
记者：从一定角度上讲，国家画院在为我们国家承担着此方面总体框架的规划设计，在听取学者声音，及其它方面有哪些考虑？专家研讨会，文集与文献集的出版准备？
杨晓阳：三年一届的中国艺术节，是中国政府实施的最高艺术行为，这个政府行为不同于群众团体行为。它既是美术界共同努力的一个结果，也是国家“两大一兴”战略的重要举措，从其构思来讲是大有突破性的，是一个创新。目前来讲，这次展览筹划的复杂程度超过了历届全国美展。在策划、标准、数量方面的规定，展场的选择和专家的聘请，各个环节的设计选择等等，都有详细的规划。
这个展览还有一句关健词，就是把所有的展览变成我们的展览，以前的展览都非全覆盖的，而这次的全覆盖使一些德高望重的老先生也有可能进入，也使年轻人的好作品也可能被推荐上来，所以没有死角，从构思来讲就没有死角，以各地推荐和艺委会提名相结合的学术展所推出的学术成果，将站在时代的高起点上推动中国美术在形式、体制机制、传播手段上有新的不断的创造。而加快构建更广泛的全覆盖艺术传播体系，加快设立国家美术展览荣誉制度，去表彰有杰出贡献的作者，都对增强文化发展活力，推进艺术创新，繁荣美术创作起到推动作用。
对这次中国美术大展的研究，我们拟将组织全国著名的美术史论家、批评家以研讨会和征稿两种方式去广泛的听取专家、学者的意见和建议，并编订出《中国风格，世纪丹青文论集》、《中国风格，世纪丹青文献集》，此将对我们今后的工作进行大为有益。
记者：按照您的设想，这种展览模式的设计和具体实施后，对其成果，您有何期望？
杨晓阳：首先是这次展览的策划时间和最后确定这个模式的时间非常短，可以说在评审会前一天的晚上才确定下来，并即时地请示了文化部有关的领导，请示了艺术司，肯定这个报告，这是事实。其次，我认为此前没有这种模式可以借鉴，所以这种模式的确定，应该是成果之一。再者，它一定是中国唯一的、最高的、全覆盖的、把所有的展览都变成了我们的展览的独特模式，这个模式是最好的模式，这个程序机制是最新的，这个展览由于它的全覆盖了性，展出作品的水平和知名度一定是最高的。最后就是我们办这个展览，在点名的时候，明确地强调了“中国风格”，强调了“世纪丹青”，一是对艺术精神的体现，一是要有时间跨度。这里面有在其他的展览里可能没有出现的百岁老人，也可能有20几岁的年轻人。如四川就有一位百余岁的老人，也有20余岁的新人新作，时间跨度有100年。由于具备了以上四个特点，所以我认为它是任何一个展览都比不上的，是最全面的，最高水准的，唯一的展览。
记者：您上任伊始，就为画院提出了“五个一”工程，其中有“办一个论坛。”这次您强调提出了由此展延伸出“中国美术论坛”的举措，是源于怎样思想？
杨晓阳：这个大展必然会伴随着一个论坛，这个论坛就命之为“中国美术论坛”，并可由之分出若干个形式的专题论坛。“中国美术大展”和“中国美术论坛”是中国国家画院的两个重要事件，是国家画院从今天开始的两大任务。同时也是我们实施“聘一批大家，建一批画室，办一个大展，办一个论坛，收一批精品”五项重要工程工作的全面展开。
关于论坛和大展所强调的“中国风格”分析，我认为“中国风格”就是写意。过去说中国画不科学，引进了所谓科学的美术，我认为这些概念都随着中国国力的强盛，民族文化自信的唤醒，无论是科学的美术，还是传统的美术，孰为胜出，最后都将得出一个合理的结论，这个结论就是中国的艺术是世界上最高峰值的艺术。
就美术而言，西方在18世纪之前基本上是以科学为标准，以科学为依据，以科学为基础的绘画。西方写实的画法成为了过去，走向抽象，甚至走向架上绘画以外的装置行为及其流派。但是，写实和抽象在中国画里面只能作为绘画的基础，因为它的写实接近于自然，它的抽象是绘画背后的基本原理，所以在中国画的里面，它不是绘画，同艺术无关。比如画家应该有的绘画能力，若只会写实还不是好画家。就抽象而言，其相当于中国的诗词格律，相当于文学的语法，而语法不等于文学，抽象不等于绘画。至于是倾向于抽象，或者倾向于写实，我觉得这些因素都在中国画的涵盖范围内，从古到今已经全部覆盖在内了。所以，我认为抽象与写实与写意是个金字塔构架，抽象和写实是金字塔下面的两个角，中国的写意是金字塔的塔尖。以写实和抽象做基础，形成了中国的写意，这个三角形是我们现在仍所坚持的。
在我的概念中，写实和抽象跟艺术无关。写意有无限的空间，写意涵盖了抽象和写实。画家应该经历写实、抽象两阶段的训练，才能表现出感性的、感悟的写意画。从层次上讲，中国美术是高于西方的。它分五个层次，第一谓之形，第二谓之神，第三谓之道，第四谓之教，第五谓之无。
西方以科学为基础的绘画主要是从形入手，画的准，就有可能表现其对象，画的很准就有可能表现出很好的对象。而中国画是以形写神，形神兼备，形具神生，这就是形的作用。我们的以形写神，是“畅神”是解衣盘礴，是得魚忘筌，同神无关的东西我们都可以放弃，总的来讲，形神论在中西方没有大的理论区别。在这个层次上，西方在一段时间里甚至超过了中国。但是中国人不满足于形神论，是为了反映人类对自然的认识和对“道”的取得。
道，我可以作几种解释，一是道理，去反映事物的本质规律，相当于西方的哲学，这个“道”是基本的；二是道路，是领上路、引上道。我们追求的是在道中、在途中，道就是一种途径，是一条道路；三是你理解的道理，你的感悟，“道可道，非常道，”就是说给你或他的。道，在西方人谓之哲学。但是，西方人是在18世纪后期才意识到美术跟哲学有关系，到19世纪西方的哲学才影响到了美术，感觉到了美术有“道”。美术之有哲学，中国人在西周时期就已经感觉到了。教，是人们在求道的过程中，由于的功力与知识结构不同，对这个世界的感悟和认识及其所得出的结论自然不同，就形成了不同的思想和学说，学说就是一种教，把这种或那种思想和学说讲给别人，即施教于人，同时是施教于了这个世界。所以，“教”有两个层次，一是学说理论，二是教说别人，形成一种影响的“教”。“教”就同艺术的关系非常密切了。如果说道是世界的本质，在中国人言为一阴一阳之为道，世界是由阴阳构成的，是由黑白构成的，中国人的“道”就是这样的，我们能够探索到的世界的本原只有“一”，中国人认为一生二，二生三，三生万物，四象生八卦，八卦演太极，太极之前是无极。对人来讲这个世界是无限大的。这就是我最后讲的一个层次“无”，无与没有有关系，无与空有关系。比如外面这棵树，在冬天没有叶子，但是中国人讲无中生有，你看着没有，其实它是有的。到了夏天你认为它有，你不要绝对，到了秋天它就会没有叶子，又进入无。中国人做学问的过程是不断的从有到无、从无到有周而复始之规律。中国人能自己否定自己，西方人自己不否定自己。中国人的无，针对创作而言作品到了一定的水平，就要以此为基础，将它舍弃、重来，这也是一种无。所以“无”是中国艺术的最高境界，并启示人们不断的去突破、去创造。所以我认为中国艺术是从形、神到道、教，而至于无。宏观的讲其基础是无，最高境界还是无。
我们中国有八大美院，引进的是西方的教学体系，尚有1000多家综合大学的美术学院或者美术系，都在西方的一个体系下，培养了大量的会画画的人，但是他们的思想和追求被科学所限定了，这是我们200年来，尤其是60年来没有培养出大师级人物的根源之一。
即日起，中国国家画院要按照文化部的高端发展指示要求去建设，使之成为代表中国美术最高水准，制定标准、确定规则，引领和导向中国美术发展方向的美术机构，推动中国美术的健康发展，使中国美术同中国的政治经济发展同步，并影响到下个世纪的世界美术。
记者：在此项工作开展的过程中，您对各项工作都予以了高度重视，然而百密或有一疏，可有遗憾？
杨晓阳：这种模式是在评展前一天的晚上才确立，由于时间的紧迫，其中存在着一些遗憾，存在着一些疏漏，可能有很著名的专家没有进入，也可能有好的作品没有征集来，好在是三年一届，还可以弥补这些遗憾和疏漏，而真正好的作品是经得起时间考验的，这是需要向美术界作出解释说明的。
然而，令人欣慰的是这个关键模式的建立，目前虽只是探索阶段，但随着我们评展机制程序的建立和完善，这个展览的全领域性就会凸显出来。
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